第二章 黑白装饰画——装饰植物

第二章黑白装饰画——装饰植物概述图案是装饰艺术中的常青主题，它所涉及的题材十分广泛，包括花卉、动物、人物、风景、几何图形等，由于在设计时还会吸收工艺制作和材料的美感，因而它形成的风格是多样化的。图案的概念包涵两方面的含义：广义是指对某种器物或建筑实体造形结构、色彩、饰纹的设想，在工艺材料、用途、经济、生产等条件制约下绘制成的图样。狭义则指器物上的装饰纹样，图案是工艺美术产品设计的基础，是以表现美为目的的一种装饰性艺术手法。我们在学习图案设计的过程中一般分两个步骤来做。一是学习基础图案，二是设计实用图案。前者是通过学习，掌握图案的基础理论、图案的组织构成能力和表现技法；后者是为适应某种产品的需要而进行的创造性劳动。学习基础图案，主要包括纹饰、造型、色彩及构成(组织)方法几个方面。基础图案所做的图稿一般不要求适合工艺，也不要求有明确的用途，仅作为技巧、构思、构图、技法方面的练习。实用图案已被当作一种独立艺术样式，成为一个门类，既可鉴赏(装饰绘画)，也可以与生活用品相结合(器物上的装饰图案)。写生变化是图案基础理论的一部份，主要讲解图案从写生到变化过程中的基本理论和规律，还包括一般的描绘技法。让学生掌握对花卉写生和单独纹样的设计能力。近年来，由于计算机辅助设计的普及，在此项课程中的部分内容里(例如分解组合法)，我们也加人了计算机辅助设计的内容。这种作法是因为计算机能解决手绘速度过慢的弊端，让学生在有限的教学时间内，得到更多的锻炼。写生变化通常也说成四大变化，是专业基础课中的基础，有着相当大的比重。是我们面对自然提取素材，经过再创造，进而组成全新艺术形象的过程。在这里，我们提到的变化是由写生稿转化为图案的过程与方法，写生稿来自对自然形态的描绘，而图案则是把自然状态下的物体经过整理，提取、加人形式美的规律及某种艺术特征渗人后形成新的形象。由于这一变化过程是从某一形态向另一形态的转化，所以我们必须在思维方法上整理出清晰的条理，这样会有利于我们掌握其变化的最基本的、也是最实用的方法。一、花卉、植物装饰训练的前提——素材收集写生是为创作而收集素材的一种方法，做为装饰图案创作的先期课程花卉与植物的写生方法在其教学过程中与绘画中的速写有不同的要求，速写的要求主要是抓大动势、大形体的准确，而花卉与植物的写生不但要求大形体的准确，还要求对细节进行仔细的描绘。这就需要初学者在写生前认真仔细地观察对象，大到把握住花卉、植物的整体姿态，小到了解每个花瓣、叶子生长规律，这对写生的顺利进行十分重要。1.观察的方法对花卉、植物的观察要从以下几个方面着手:外部特征→形体姿态→比例结构→生长规律。 花卉、植物的外部特征和整体状态是我们在观察时首先要注意的问题。它们的基本状态可分为稳定性和流动性两种。像牡丹花、菊花、玫瑰花等为稳定性的，而牵牛花、紫藤花等为流动性的。我们在观察时首先在头脑中对观察对象有一个比较完整的形象概念(如同画素描时起稿一样)。然后再进行更具体、更全面的观察，如花瓣、花蕊、花托、花梗及叶子的形状与生长规律，包括花瓣是单瓣还是复瓣，叶子是对生、互生还是轮生及老干与新枝的生长姿态。并且可以多角度全方位的去观察。了解了以上几个方面的问题之后，我们则要从中体会花卉、植物形体姿态的美感，这一点是非常重要的，我们可以分析它们是流动的美，还是庄重的美，从而找出花卉、植物之间不同的美的特征。2.花卉、植物的生长结构做为美术设计师，在了解花卉、植物的生长特征时与园艺师的要求是不同的，我们主要着重了解花卉、植物的外部生长特征而不必了解它们的生长习性(如土壤、空气等)。花卉、植物的外部结构主要通过裸露在外面肉眼能看见的花、叶、茎、果的生长关系来体现。如花卉的花瓣是紧紧地围绕花蕊组成的放射状的结构，茎的结构体现在茎的分枝关系，像单轴分枝、反轴分枝，生长形态有结节形、缠绕形、直立形，叶的结构主要从叶的形状，叶子的生长关系来体现：生长在植物茎上的叶子具有一定的规则和秩序，这种现象被称为叶序。在植物茎上一节叶序生长着一片叶子的现象叫互生，生长两片叶子的叫对生，生长三片叶子以上的叫轮生。另外植物不同叶子的间距和每组叶序之间的段数也是各不相同的。花卉、植物结构上的差别是不容忽视的，实际上它为我们提供了自然存在的美的形态，它们的重复性、近似性、规律性处处都体现了美的存在。因此我们在写生之前必需按照上述的观察方法认真地、仔细地观察写生对象，做到心中有数。3.写生方法写生是对花卉、植物自然形态的记录，这种记录既要真实、自然，又要取舍、提炼，变自然形态为艺术形象。写生方法可分为：白描写生(铅笔、钢笔)：淡彩写生：素描写生。白描写生白描，是中国画主要表现手段之一，它的特点是不借助任何色彩和明暗关系，完全用线来表现对象的形体结构，质感和立体感，白描不强调光，但是要求结构严谨、层次分明着眼于物体各个边缘的衔接、转折等关系。在白描写生中，勾线要根据对象的不同选择不同的线，一般来说，质地柔软的用线要细一些柔和一些，质地硬的用线要粗一些挺拔一些，物体分量重的用线要实，物体分量轻的用线要虚。描绘树的枝干也要有老干与新枝的区别，一般是草本宜圆润，木本宜苍劲，藤本宜柔韧。白描写生的工具主要是用铅笔(HB,2B)，钢笔，针管笔，毛笔(大、小红毛、叶筋笔衣纹笔等等)。初学者可先使用铅笔，因为铅笔比较容易掌握，可以修改。白描勾线用笔的起止非常重要，一条线无论长短都有起笔、行笔、收笔二个过程，即一波三折，波、是指线条要有起伏，有变化。折，是指方向的变化，以一划为例，欲右先左为一折，右行为一折，收笔回峰为一折，合为三折。勾线时要根据对象的不同选择不同的方法，勾直线要平直，用笔的力量要均匀，没有虚浮的地方，勾弧线时线要圆润有弹性，像把有弹性的金属丝弯过来时的感觉，凡是遇到线要改变方向的笔要停顿，留“气眼”，也就是换气的地方，白描勾线最忌讳虚、浮、甜、俗，虚浮则苍白无力，甜俗则轻挑油滑。因为铅笔白描是基础，所以只有画好它才能更好地掌握其他的方法。淡彩写生花卉、植物的淡彩写生是在自描或素描的基础上进行的，淡彩的基础稿一般用钢笔来画，然后用透明色或水彩色加以渲染，在加色的过程中要表现一般的素描关系及色彩的寒暖关系(但是用色不宜过于复杂)。此种方法的特点是能在较短的时间里将花卉、植物的形象、色彩准确的记录下来，是收集聚材的常用方法之一。素描写生 使用铅笔、钢笔等工具组成黑、白、灰明暗调子来表现花卉、植物的形象、体积、姿态是素描写生的基本方法。在素描写生中对对象的选择要有侧重，要注意光线的适中及花与花、花与叶之间的虚实的变化，要尽量的表现出画面的层次感。如果使用钢笔学生必须有较好的素描基本功，因为钢笔不能修改，所以画之前要做到心中有数，把握好形象与调子的关系。另外，在使用钢笔画明暗调子时要把线条排列得整齐有序，要根据植物生长的规律和自身的肌里选择排列方法，以免杂乱无章。以上三种写生方法有着不同特点，我们可以由浅人深、循序渐进的学习，掌握好写生的基本方法，为花卉、植物的变化打下个良好的基础。二、花卉、植物装饰训练的展开由于图案本身带有装饰性，这种装饰性主要表现在它与绘画写生形象的不同，有其概括、简练、平面、人为修饰的特性，所以它是有别与绘画的一种艺术样式。这种装饰性在此我们称它为图案的装饰语言。它有其自身的规律性，也有其具体的表达方式与方法。在图案教学中，装饰语言的训练始终是教学的核心内容，花卉素材的选择是因为本专业特点而定的，它们只是作为载体。而图案的个体形象内在结构建造、形式美的运用、风格的表现等诸因素综合的应用，才是学生最应掌握的有效的精髓。装饰语言是把自然形象转化为艺术形象的重要手段，因此我们说在设计诸因素中的装饰语言承担着美学的使命。装饰语言不是抽象的名词，它有着非常具体的内容，下面我们针对主要问题从两个方面做讲解：1.形式美法则的应用形式美是构成美感最主要的因素，是创造装饰形象的手段。怎样让学生掌握以上方法是教学的关键，有时我们面对学生，会感到有交流的困难，主要是在对美感的认同上，会找不出合适的语言来描述一幅作品的美和表现力，这是一个有趣的又困惑的问题，图形的视觉传达可以轻而易举做到的，而用词语却无能为力。为什么语言这一人类用来表达事物的特殊能力在表述美时会如此拙笨呢?科学的道理在于人类视觉系统的进化要比语言系统长得多。由于教师找不到合适的语言，学生往往一头雾水，教学质量在此大打折扣。因此我们要把形式美的理论用图的形式分析给学生看，使其更直观、更易懂。懂得什么是美，并会创造美，是装饰语言训练的最终目的。在装饰训练的教学中有时还会遇到这样的问题，学生往往认为抽象图案比具象图案更美、更新颖、更具现代感，认为画具象的图案太老套、太陈旧，在认知上排斥具象图案。其实在这个问题上我们只要弄清楚形式美在图案中的作用，就可以认清这个问题。我们可以举一个例子来说明，如果用花卉、动物做素材，形式美做载体，创造出的图案个体形象就是具象型。反映在我们眼前的是花卉或动物的造型。要用纯粹抽象几何的点、线、面做素材，形式美做载体，创造出的图案个体形象就是抽象型，反映在我们眼前的就是图案的抽象几何造型。由此我们可以看出，抽象与具象没有本质上的差别，只是我们在设计图案时是侧重形式美还是图像的问题。我们要牢记形式美要服从内容美，同时又有相对独立性的价值。学生掌握的应是素材与形式美具体完美结合的全过程。图案的设计一般是由写生变化而来的。把一个自然形态的物体转变成一个艺术形象其中所需要的就是形式美的法则，因为它具有一定的规律性。所以研究与掌握这些规律是搞好图案变化的先决条件。形式美的法则大体包括以下几个方面：均齐；平衡；节奏；韵律；对比；统一。①均齐(对称)均齐的状态是以轴心为支点，左右或左右上下的形 象呈对称形式摆放。它的特点是能产生一种端庄、稳健、宁静的感觉，比较合乎大众的审美习惯。这种状态我们在自然界和生活中是常见的；例如：人、动物都是以脊椎为轴心四肢呈均齐状态的，树木、花卉是以枝干为轴心花与叶则是呈均齐状态的。中国的古建筑包括皇宫、陵园、庙宇、宝塔及百姓的四合院，以及古城的规划也都是以中轴线为中心上下左右均齐的形式出现的。我们日常生活中的各种用品像器皿、电气、服装等等都是以这种形式出现的。②平衡在形式美的法则中平衡是指力的平衡，它的表现形式是物体在画面中上下左右是不对称的，是由一个支点也就是中心点为主而形成的异形同量的组合，在变化中求稳定、求和谐。从心里、视觉的角度上讲，给人以变化、活泼、新颖的感觉。这种平衡的状态在自然界及生活中我们也常常会遇到。例如：在自然界中的云层、山脉、河流、石头等等都是平衡的状态。在生活中的现代建筑像有名的悉尼歌剧院及各种形状各异的新式建筑也是以这种形式出现的。还有，人在运动中像打球、滑冰、舞蹈等，物体在风中像树木、庄稼、气球等等都体现了平衡所产生的美感。③节奏节奏一般在音乐中指拍节的高低、反复的变化，有重复、连续的特点。在图案设计中被认为是反复、连续的形态构造，通俗地讲就是表现为图形的不同格式的重复排列，节奏的快慢、强弱会产生形象不同的机械美感。④韵律韵律其实是物体动态规律的体现，是节奏和节奏之间连接运动所表现的姿态。形象的连接以舒展、起伏、渐变、对比的规律变化都能构成韵律线，体现韵律美，从而产生富于情感的诗般境界。在自然界中河水轻杆地流动，树枝在风中摇摆都会带给我们很好的启示。⑤对比对比是指形象与形象之问的差别，这种差别的大小能显示形象的多样性，而多样性的体现表现在形象的聚散、虚实、大小、方圆、粗细、软硬、明暗等方面，我们所设计的图形只有通过对比的处理才能显示出艺术的表现力和感染力。因此我们说对比是不同形象之间性质上的差别，同时也是图案设计的基本技巧，我们要适度运用，恰当处理，掌握好其尺度和比例。⑥统一统一是对对比而言，如果对比的尺度运用不当会使画面产生隔裂、破碎、杂乱的状态，而统一则是协调这些过于混乱的图形的一种方法。统一主要是指在不同的图形中要掺入共同的囚素做纽带，如用近似的点、线、面使形象上下呼应，产生秩序感。统一这一规律的灵活运用，可以使画面有和谐、舒适之美感，但是我们也要注意统一过度会产生呆板、单调的情形，因此，统一的法则与对比的法则是相辅相成的，即在统一中求对比，对比中求统一。2.想象力的建立人类的想象过程是个创造力发展的过程，想象的发展有助于创造思维的发展。图案设计需要这种思维方式，它能启发帮助学生的创作。从想象的品质结构来看，想象具有现实性、主动性、丰富性和独立性的品质，而这种品质正是图案中不可缺少的。因此说想象是人的创造活动的一个必要因素。运用创造思维，加强想象力就会获取创新的、独特的作品，而缺少想象力的作品水远不会成为优秀的作品怎样运用想象力?是我们在教学过程中主要讲授给学生的关键，首先想象不是空想、幻想，想象是在创作不十分明确，信息不充分时所依赖的对象。想象要以一定的知识为背景，它与联想有一定的关系，就是把两个相距很远的，但是又有共同之处的东西联系起来，比如人们常说鹅毛大雪，就是把大雪与鹅毛雪白和轻盈的共同点联系在一起，形容大雪纷飞的景象。可是对于寻找两个有联系的事物，并把它们有机地结合起来的这个过程，正是 学生学习的难点。往往你让他发挥想象力，想一些与设计目标有关的事物，可他觉得很难做到，不是画一个与其没有关系的东西，就是把联想的东西画出来，把设计的素材忘得一干二净，也有的同学只是简单地、生硬地把两者放在一起，而不会把两者的特性及优美的方面进行完美的组合并表达出来。这种现象说明想象力的训练在教学中的比重是不够的，学生不适应这种方式。我认为学生应从入学开始就接受这种训练，养成良好的思维习惯，在接受设计理论及方法的同时把美感也融人到设计之中去。三、花卉、植物装饰训练的完善与完成1.点、线、面表现美感特征表现技法是图案设计的最终落笔方式，也是决定画面效果的关键一环，选择哪一种表现技法要取决丁设计者的最初的表现意图，技法要与设计意图相吻合，两者越贴近，表达的效果越显著，这一点我们决不要忽视。图案常见的表现技法有以下几个方面：点的表现；线的表现；面的表现(剪影、重叠)。①点的表现点的表现是塑造物体的常用手法之一，运用不同的点(包括圆、方、三角、异型)，经过精心排列，可以表现花卉、植物的形体、轮廓、体面、光影效果，在物体形象的边缘也可以用点来表现其空间感，用点来做画时务必要有足够的耐心，就像用小块砖砌大厦一样要有控制全局的能力，避免烦躁而因小失大。②线的表现.用线来表现物休是绘画及图案中最常见的方法之一，也是最有表现力的一种方式，因为不同的线有着不同的性格(如直线、曲线、粗线、细线、长线、短线)，所以它们表现的物体也有其截然不同感觉，曲线体现刚柔相济，使画面如行百流水，能比较好的体现形象的节奏和韵律。而直线则刚直有力，充分体现出稳健、阳刚之气，适合表现物体的力度。各种线不同的排列也能带来不同的效果，垂直排列有崇高、伸展之感，水平排列有冷静、横卧之感。在画论中线还有机械型和自然型之分，机械型主要是借助仪器来绘制图形，像很多构成的图案。而自然型则是随手而作，更具朴实、稚拙和流畅。除此之外，线还可以表达沦桑、颤动、温柔、干涩等不同感受，及物体表面的不同肌理效果。③面的表现面的运用主要体现它的特征，如宽度与幅面，在把握画面大的分割及处理黑白关系时能起到决定性的作用能较好的体现形象的平面感和立体感，特别是结合构成设计中的重叠、透叠等表现手法使得画面取得很好的效果。在处理形象的剪影效果图与地的关系时面的作用也是不可低估的，因为图与地常常是以黑白两种不同的面积的形象出现的。点、线、面的综合运用也是一种不错的方法，它可以弥补单一一种表现带来的变化不足，从而使画面更加丰富多彩。2.外形与结构整合归一我们要把写生来的花卉、植物素材转变为图案化的形象，除了以形式美的法则做指导外还要遵循图案装饰的规律，把自然的、随意的图形创造成艺术的形象。装饰规律告诉我们非常具体的方法，指导我们能比较顺利地完成从自然形体到艺术形象的转换，这个过程，实际上也是培养了我们的一种艺术的创造能力。具体的变化力法可归纳为以卜几个方面：归纳法；夸张法；添加法。①归纳法这种方法着眼于对象的外部轮廓及姿态特征的概括与归纳，这种方法的特点是夸张形象的单纯化，主要针对对象的正面及正侧面的角度来描绘，捕捉整体形象，强调特征的再现，将局部的细节省略。在中国传统美术作品中我们可以看到这种方法的运用，例如： 汉代的画像砖的纹样，石狮、石马的塑像等以及民间美术中的剪纸、皮影都属于这种方法的实例。我们把归纳法扩展一步来讲就涉及到色彩的归纳，如果我们的图案需要用色彩来表现，归纳法也会帮助我们，花卉、植物在自然界中其色彩关系是非常复杂和微妙的，我们要用减化的手法来处理色彩关系，把同类的色彩减少到一至'两种，来表现其冷暖关系、光影变化，使色彩简明扼要，生动活泼。②夸张法夸张就是在自然形态的基础上，从形休、动态或局部形象三个方面进行超比例的处理，具体的可从形象的大小、长短、胖瘦、曲直等方面展开，使人通过视觉体会到夸张的艺术性和趣味性(如卡通、抽象艺术等)。由于花卉、植物的种类繁多，各自有不同的特征，所以选择哪一类的夸张方式要看对象而定，要突出对象的特征，防止经过夸张变化后形象面目全作，让人无法辨认，由此可见掌握好夸张的度是非常重要的，适度的夸张会得到很好的艺术效果。③添加法添加主要是在图形概括的基础上附加其他的装饰物，例如，在一个花瓣上或一片叶子上添加一些几何纹样，或者其他的纹样，从而增强图案的层次感和浪漫色彩。但是我们在添加时要注意图案的整体关系，避免过于杂乱。添加法的具体操作可以从以下两方面着手：寓意性添加和装饰性添加。寓意性添加这种方法来源于民间纹样中的剪纸纹样和吉祥纹样，添加的纹样有一定的情节性，不受自然形象结构的约束，而主要表现“意”和“情”字，使之更加附和人们的欣赏习惯，像吉祥图案中的“五谷丰登”、“龙凤呈样”等图案都是借添加的手法来表达寓意抒情的目的。装饰性添加装饰性添加是在特定的轮廓形象中套加不带情节的单纯的平面图案，如常见的“花中套花”、“叶中套花’或是套加几何图案及带有肌理的图案，这种形式可以使画面丰满充实并带有很强的装饰趣味和现代气息。3.打散组合构成新视觉构成美的事物是多方面因素的综合结果，打散组合所展现的美是在分分合合中得到的。中华文化传承至今的审美习惯是整合之美，这种有着深厚底蕴的视觉文化深深地影响着我们，对我国艺术设计领域的理论研究在一定程度上起到了制约的作用。长期以来，整合之美一直是我们在设计中所遵循的理念，一代又一代的设计师在这个理念的指导下，设计着附和中国人审美习惯的作品。如果把整合之美上升到美学的高度，那么它在设计史上应该是功不可没的。由于社会的发展，设计理论的不断的完善，我们需要设计新理念来指导全新的设计。打散组合的理论冲破了传统，它不但丰富了设计理论，更重要的是它把人们引人到一个视觉审美的新领域。在花卉图案设计中，视觉带给人们的美感应该是第一位的。打散组合的基本理论是打破整合之美的审美观点，把人们习惯于观看其象的完整的图形习惯引导到欣赏以节奏和韵律为装饰美的抽象的图形中来。这种抽象美感就像交响乐一样，虽然没有歌词，但是优美的旋律同样能打动成千上万的听众。打散组合的理论最早是姜今先牛提出的设计新观点，他从美学、哲学角度入手对此理论做了探入研究，为设计界的理论完善做出了贡献。这种理论的核心观点是否定原形，变异转化到新形。打散组合理论中建立视觉新形象的主要办法，一是创造抽象的图形(自然形态向抽象形态的转化)，二是新思维的创立(可变元素构成法)。 打散组合的具体方法主要是解决两方面的问题，打散原形与组合新形象。①从打散讲起一种新理论的建立，就否定另种理论存在的价值是极不科学的。历史的发展是继承性的，艺术设计理论也同样。继承和发展是一个永恒的主题，关健是怎样赋于它新的内涵。在花卉图案的设计中，我们要运用打散组合的方法，首先要有一个被打散的原形，这个原形最好是我们自己设计的，当然也可以是已有的经典图案。（根据设计需要来选择)。例如，宝相花是隋唐时期佛教装饰中盛行的一种花卉图案。其形式应是有俯视的莲花装饰演化而来的。从花形来看，多为莲花和牡丹花的特征，只是将花朵、花苞、花瓣、花托、花叶等形象作四面均齐的放射结构排列，组织成多层次的装饰花纹。大量用于石窟寺藻井中心、光背以及边饰之中，是一种独具特色的民族样式。怎样分解这个原始图形呢?我们可以用符号提取的办法，就是把图案中的局部形象抽出来，最好有3—5个符号元素。元素的选择也有一个提炼的过程，并不是所有的元素都是美的，我们要从形态、角度分析其美感。元素并不一定要复杂但是一定要有特点。有的元素单看时非常平淡，一旦组合后就会产生意想不到的美感，这就是要选择原形元素的原因。元素是可以修改的，它可以促使元素产生变化，例如，放大、缩小、拉长、变短、扭曲等变化在下一步的组合中起着不可忽视的作用。打散一个原形除上述的方法外，还可以用切割的办法，例如，将原形进行水平、垂直、斜向等分解。这种方法并不是随便的，而是要建立在抽象美的形态之上，表现其对称、平衡、韵律、动感等。②再谈组合效果打散组合的图案设计方法在实施过程中有两个步骤，组合是建立在打散之后的第二步，只有两个步骤的完美结合，最终的设计才能是优秀的。在组合中特别要注意的是组合不是拼凑，要以表现抽象美感为宗旨，以形式美的法则为手段，如：对比、重复、渐变、变异等手法都会带来抽象的美感。元素的组合是一个从构想、调整、完善到终结的过程。在我们的日常工作中打散组合的例子不胜枚举，服装设计中我们要把一块布剪开，然后，再按设计要求缝合，成为一件新作品。家具设计也是同样，把一块木头锯开，按设计需要再组合，使之成为理想中的样子。这些过程实际上都是打散组合的方法。在实践中我们总结出组合的几种形式如下：以元素为主的组合；以框架为主的组合；以错位为主的组合。不论是元素符号的组合还是元素切割的组合，我们在做组合时可以先为自己的作品做一个定位，比如，我们想表现其力度感、冲击感、轻柔感等抽象感觉，根据感觉的需要来选择具体的办法，这样有的放矢地去做，会取得比较好的效果。打散组合是以抽象美为指导，是在分分合合之中寻找美感，作者的自我创作意识要求强烈，不动脑筋的拼凑和堆积决不是分解组合创作宗旨。